有关如何坚持练琴的一些看法和建议 - 5
从15年一月开始到现在，已经不知不觉四年了。四年可以说的上是一个长时间，毕竟读个大学也就四年。但是对整个人生跨度来说，却又只是一段不长不短的时间。
新解除的旧误区
前段时间读完《Fundamentals of Piano Practice》，颇受震撼，里面有很多观念都是条理清晰，有理有据。下面将结合自己的思考对这些点进行整理和归纳。
练习速度以及提速的相关误区
分手练习的重要性
只有分手练习，才能更快地达到熟练，并且更容易调整手部动作，学会在快速跑动中进行调整和放松。
之前为了尽可能练习视奏，通常我都是双手直接练习的，至少在头两年过后，我很少单手练习。基础练习更不用说，一直都是双手4个八度的音阶练习，双手4个八度的琶音练习。在18年换了新老师之后，我才慢慢开始重视自己的音阶和琶音，也是这个时候才意识到，我的音阶琶音一直停留在110左右的速度很久没有突破，转指跨指在速度上去之后非常不自然。然而在看完这本书之后，我改变了练习方式，换成了单手一个八度来回练习，只花了两个月左右的时间，我的音阶就提高到了120，还是比较轻松的。音阶弹奏的整体感觉完全发生了变化，跨指转指再也没有不适的感觉。当然也发现了一些新的瓶颈，比如速度到120以上的时候，345指就有压力了，尤其是34543这种来回。而最近又测了一下，单手已经能达到140，双手也有130的速度了。
这些建议的原因极为简单，单手重复能在同样的时间内重复更多的次数，而且在重复的过程中，方便巩固手部动作，也可以在多次反复中找到发力不自然的地方并立即进行调整。琶音我也做了同样的改进，换成了两个八度的练习，增加了非常多的两头拐弯，才意识到自己的琶音速度实际上很受限于两边的转头，而两边的转头很需要拇指作为支点的稳固，以及234指的准确性。
慢练再慢慢弹快是没用的
因为慢速弹奏和快速弹奏所需要的技术要求是不一样的，慢练最终会达到一个速度瓶颈，因为根本上就是错的。必须迅速掌握快速弹奏的技巧，要通过上述的单手练习，尽快让自己达到高速。
之前接受的观念是慢练，顺畅之后慢慢提速。看了这本书之后完全颠覆了这个概念，我也彻底改变了练习的方法。对于299来说，我已经不在乎合手了，对于右手为主的曲子，我会尽量让右手尽可能地先达到快速，对于左手为主的曲子，也是单独练习左手为主。合手弹奏在低速下完全没有意义，因为速度上去之后，等于重新练习。并且双手不容易同时达到高速。299的19和31是2018年下半年弹得最多的两首，19是右手琶音，31是左右手半音阶练习，可以用19作为一个练习方式改进的说明。
- 分小节练习，右手固定一个和弦把位的动作，多次来回反复，说实话很快就能达到120的速度。
- 下一个课题瞬间转移到了多小节高速连续，这个必须先把谱子背了，然后也是很快可以接起来。
- 其实后半部分部分小节，以及高潮都是很难弹的，所以我基本每晚都会花时间单独练习这些部分。
- 右手大概在2个月左右达到120全曲的速度。
- 然后加上左手，这时候把右手放慢回来对左手，左手都熟悉并且背谱之后，曲子就基本完成了。
现在反过来看这个过程，我不知道如果用原来的方式去练，会有什么效果，但是我觉得，这首曲子用过往的慢练提速方式，估计很难提速。因为左手不少大跳和位置转移，如果右手不是达到游刃有余，不可能有注意力在左手。然而这个过程的缺点是，很枯燥，头三个星期，我基本上将曲子拆解成各种小节的组合，然后单手反复练习。而在合左手的时候也非常痛苦，因为右手已经很快，在左手没能很快反应出来之前，我都没耐心花太多时间在上面。
现在19大概能弹到70s以内（请原谅一个魔方玩家很喜欢用总时间来衡量速度...），自己弹的话，没什么错吧...如要要流畅没错地表演的话，是另一个话题了。
经过这两三个月的实践之后，我深深意识到这个观点的正确性。实际上对于现在的我来说，可能稳稳当当弹到100已经没有太大的问题，然而，100和120之间还是有一个巨大的鸿沟，其中最大的一点，无疑是发力。巴赫的BWV847就是一个最好的例子，我从70，一直弹到100都能流畅地发力，其实三周左右就弹到这个速度了，然而，上课被老师说不够快。回来之后继续努力，才发现，从100到120，至少有几点巨大的不同：
- 手腕非常需要主动放松。
- 音需要分组，只把用力点放在需要强调的音上，其余的音，需要靠双手同步放松达到。
- 寻找休息点，不能一直紧张快速地冲到到最后。
- 轻而快速的地方，尽量靠手本身的重力。
在100速度的时候，我完全不需要注意这些点，然而在120的时候，随便一点做不到，我都无法弹下来。
在能达到正常速度或者快速之后，再通过慢练来巩固记忆。
之前我很少在回头弹的时候降速，分手，分段。现在发现分手分段能极大加强记忆，所以在回顾慢练的时候都加上了这样的环节。
练习过程的改变
书中还提出了练习方法的问题，针对书中说到的各个指导性思想，提出来一套我感觉挺合理的练习方式。一般人的练习过程可能是这样的，这也是最为直观，容易想到的，并且老师安排的一个练习流程：
- 音阶琶音等基础练习。
- 学习新谱子，双手慢练一两页，然后慢慢提速，用节拍器辅助。
- 接近练习尾声的时候，双手挺累了，于是就开始弹熟悉的曲子，享受音乐。
- 上课或者演奏会前，用正常速度（甚至）更快的速度进行练习。
然而这种练习方式有很多不足的地方。基础练习需要有更多的变体，慢练难以提速，享受音乐达不到练习的效果，用正常速度或者更快的速度进行练习，很大概率会毁掉曲子。书中推荐的练习过程如下：
- 学习新谱子前，先听别人的演奏，多听几个版本。分析一下作品，看看重复的地方，困难的地方等等。
- 从最困难的地方开始练习。
- 对困难的部分进行渐进式分解，从最小的粒度，比如小节来练习。好处不言而喻，单独练习短小的困难部分，方便直接重复多次，节省时间，又能在多次练习中更好地记忆，和掌握发力技巧。
- 分手练习。单手能弹到正常速度，或者比正常速度更快之后，再合手，不然没有合手的意义。熟练之后的曲子，也应该经常进行单手练习，一方面为了记谱，另一方便为了能有更好的提升。
- 分段练习的连续性。分段练习中，分出来的段必须相互重叠，不然在段落交界处容易有节奏错误。另外这也方便记谱，如果划分得太整齐，会容易忽然短路。
- 记谱，要从一开始练习就记，不要等曲子完成再记。MP对记忆的重要性，应该经常进行MP练习。
- 让PPI（Post Practice Improvement）起作用，就是在每次练习结束之前，应该做的是正确的事情，好让PPI在正确的练习后发挥作用。但是结束之前的练习不宜太简单，这样无所进步，将浪费了一次的PPI。PPI的累积效果不容忽视。
- 慢练有害。慢练和快速弹奏所使用的技巧不一样，只有一条正确的路能弹快，但是慢练的时候有千万条路走向错误，容易达到速度瓶颈。并且慢练浪费很多时间，和有很多无谓的身体动作。
- 准备进入PPI前，一定要慢练。慢练的速度不能太慢，正常速度的一半或者四分之三即可，慢练的时候超前思考。
- 用一只手教会另一只手。
- 需要耐力的地方，先解决放松问题，再考虑力度。
- 开始练习的时候不要用踏板，尽量用手指功夫做到音乐性，达到原速之后再加上踏板。
这本书还提到几个非常好的概念，PS，PPI以及MP。
PS（Parallel Set）是指一个手位以内，可以一次过全部弹下去的音。从定义上来看，一个PS不会超过5个音（一般人只有五个手指）。实际上音乐可以看成是PS的集合，练习的时候也可以分成PS进行练习，而巴赫的曲子，有非常非常多都是为练习PS而设计的，所以人们常说，练巴赫很硬核，很有用。而肖邦那种音乐性强，句子很长的作品，就不太适合用PS来练习。
PPI（Post Practice Improvement）是指练习过后的技能提升。其实我很早之前就留意到这个现象，一段练习之后休息一段时间，再重新练习的时候，会发现“忽然”有了不少进步，这实际上是PPI在起作用。所以书中才建议，每次练习结束之前，稍微地挑选困难的段落进行单手练习，速度采取一个比较适中的速度，尽量不错地完成。
MP（Mental Practice）是指平常所说的无声练习，不过既然用词为“Mental”，所强调的更多是大脑的作用。只要能在脑里听到声音，看到键盘，并且记住了谱子，其实何时何地都可以随意地练习，通过这种方式能极大增加练习时间，毕竟，人的大脑是自由的。当然，如何能在大脑听到声音，看到键盘，是一个很值得讨论的话题。对于我这种没有音高的学习者来说，靠的主要是肌肉记忆和曲子的逻辑记忆，曲子完成之后其实也可以在脑里听到旋律。看完书之后尝试单手脑内弹奏某些作业，实际上是可以的，但是双手不容易，需要费极大的心力脑力。
这几个都是很值得单独讨论的话题，但是由于篇幅关系，留待之后的文章再分别单独讨论吧。
无奈与困惑
在一定程度上来说，学琴是孤独的。一方面现实中基本没有理解的人，只有无尽的挖苦以及讽刺。对于他们来说，这是“高雅的活动”，他们无法欣赏，也无法理解，也不知道这是需要付出极大的努力，才能达到一个比较一般的高度。他们更无法理解其中的乐趣，其中的奥妙。对于他们来说，一个下班就去练琴的人是很奇怪的，孤独的。不和朋友吃饭，不去唱k，不去参加集体活动，是非常反常的。当然，这些人的看法丝毫没有影响到我，我反而觉得对于他们来说是一种可惜。
我后来反思了一下这究竟是我自身的优越感作祟，还是真心发自我对其的热爱。我发现是后者。实际上学琴没有给我带来什么优越感，毕竟水平不高，即使水平高了，估计会更谦卑吧。平时也会和一些朋友同事交谈，部分（在我看来）没有业余兴趣的人，基本上下班之后就是刷刷微博，刷刷抖音，摊摊沙发，既不持续工作上的学习，也不会对什么需要花时间花精力的事情感到兴趣。从他们实际的话来看，我这样的生活很辛苦，但他们也提到，他们下班后之后很无聊，看多了感到空虚，然而自己又没有任何寻求兴趣的动力。我觉得这极为可怕，确实如行尸走肉了。
而对于琴友以及老师来说呢，在讨论问题的时候也是很难达到一致的，在描述感觉的时候也是很难精确的。这其实很正常，比如某个动作该“这样”发力，而实际上如何能做到这样的发力，非常需要自己体会。这让我想起以前乒乓球老师教我拉弧线球的时候，他非常详细地描述了动作，身体每个部位如何协调，在什么时候做什么动作等等，然而我依旧不得要领。后来我意识到弧线球原理是球拍对球的“尽可能大的弧形摩擦”，于是我先从手部动作开始，通过一种“不正确的发力方式”打出了弧线球，然后再逐步调整回来，使用脚抓地，转腰，大臂带动手臂等。所以在钢琴上，一个动作究竟是如何学会的？是不是真的老师在跟你说“这个和弦是靠身体带动肩，然后用肩带动大臂，以一种类似于痉挛抽动的感觉瞬间爆发出来”之后，就自然能做到呢。我觉得明显不是这样的。这是我想说的第二类孤独，一种无法传达感觉的孤独。
说实话我觉得除了多练好像也没有太多的办法。如果让我描述“单手弹奏音阶的整个变化过程”，或许我还是可以说的出来，但是我说出来的“感觉”究竟能传达多少比例，才是关键的问题。
- 刚开始接触音阶，使用高抬指的方式弹奏，当时时不时还需要思考指法。弹每个音都极为辛苦，脑内非常煎熬。
- 第一次质的飞跃是，我感觉我弹音阶比较顺畅了，这时候不需要思考指法了，很直接能弹出来。这个时候一个很显著的感觉是，高抬指慢速弹奏，我明显感觉到游刃有余，每个音都可以很结实很清脆弹出来，自己能感受到那很有质量。
- 第一次感受到的瓶颈是，自认为快速的音阶，无法控制力度，完全没有力度的变化。注意力基本集中在指法上。在很忘我地弹了一些音之后，忽然忘了下一个音该用什么指法。
- 能感受到音阶确实越来越快，但是就是有一点不自然，转指或者跨指的时候觉得有一点点的压力，需要提前注意，比如在3指下键之后，意识会很自觉地集中在4指。
- 能感受到345指的不灵活，最开始是从a小调，G大调感受到的，一旦到黑键的地方，总感觉4指被扯住，无法使上力量。
- 18年认识新老师之后对音阶有了新的认识，新的审美，发现自己的音阶准确率不高，清晰度不够，力量不够，经常在弱指粘连。而这些问题，都会在弹奏的时候不停地冒出来，提醒我。
- 看开篇说到的书之后，换了练习方式，又明显感受到了质的飞跃，音是分组用力的，组内是手指自然流动的。分组用力之后，4和5的问题没有了（少部分音阶还会有，比如b小调这类）。弹的时候明显能感觉到手是一个大动作接着一个大动作的。
- 用力的时候会自然降速，大力清晰洪亮快速的音阶还没能达到。是手放上键盘就有这种做不到的感觉
而神奇的是，我觉得我自己能感受到“理想音阶的感觉”，那应该是具备下面几点的：
- 绝对不是手指单独发力。
- 发力点绝对不是在音上进行的。
- 音阶的进行，靠的是一种宏观线性移动的力量。
如果用比喻的方式进行描述，那就是手臂如同鞭子一样的甩动，手指完全不费力气地划过琴键，完全没有上下的动作，只有左右的动作。
即使这样描述了，我个人也是觉得极为模糊。如果他人无法了解，或者说老师无法理解和感受，那实际上我也无法证实这样的看法是否正确。老师只能通过我弹奏发出的声音来判别是否正确，而很难有效地帮我改善发力方式。回想起以前学游泳，学打球的时候，根本没有这样思考过问题，而让我有一种错觉，我之后获得的良好感觉都是自然习得的，由此让我惯性地认为，学习就是这么一个过程，老师和学生就是这么的一个关系。
看大师课也是我的一个习惯，因为从大师课上，一方面能看出大师们如何阐述一个问题，另一方面也能看到学生究竟是否能接受。但是纵观我看到过的很多大师课，实际上老师很少用过多的话语去描述感觉，即使具体成做法，也很少有描述。这并不是说学生技术已经达到一定层次，老师不需要说太多的问题，我的重点还是在感觉的传达上。比如“某个需要朦胧感”的乐段，一个普遍的观点是：干货不多的大师们可能只会描述一种场景，干货多一点的会说如何实现，比如踏板，触键。然而我觉得，从上面的逻辑来看，学生们是否能做到的前提是自己有没有那样的感觉，如果描述感觉，或者说恰如其分地描述感觉能让学生感觉到的话，这就是最有力的手段。如果从动作上能描述得极为精确的话，那自然也是一种有力的手段。至于哪种方式有效，因人而异，但前提还是，必须能给出感觉的详细描述，或者是技术动作的详细描述。而，这概率实在很低。
不过无论怎么说，这门博大精深的学问还是每天都让我充满斗志，充满去探索的好奇和征服的希望。无奈和困惑会持续下去，快乐和激情也会持续下去。